martes, 27 de diciembre de 2011

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Zebatack- Aires de Aries (2011)


1.Zebatack - Es mas fuerte (prod.Utopiko)
2.Zebatack - Alguien (prod.Utopiko & Inteligent)
3.Zebatack - Alla abajo en las nubes (prod. Utopiko)
4.Zebatack feat. Epicentro - Dan pena (prod.Utopiko)
5.Zebatack feat. Under - Fuck School (prod. Crimental)
6.Zebatack - Como jugando (prod. Utopiko & Dieguelz)
7.Zebatack - Creanme o no (prod. Utopiko & Dieguelz)
8.Zebatack - De otra galaxia (prod. Utopiko & Dieguelz)
9.Zebatack feat.Vanessa Valdez (Diezzinueve) - Estuve ahi (prod.Utopiko)
10.Zebatack feat. Erkast & Cevlade - FE (prod. Cevlade)
11.Zebatack - Asi da gusto (prod. Utopiko)
12.Zebatack feat. Maka Melendez - Ponle un precio (prod. Macrodee)
13.Zebatack feat. Cevlade - Al rap lo enfermaron (prod. Utopiko) 
14.Zebatack - buen dia (prod. Utopiko)
15.Zebatack - yo y los mios (prod. Utopiko)

Segunda entrega de esta agrupación de Hip Hop Talquino, dedicados a la creación de poesía, de conocimientos, de viviencias sensibles llevadas al ritmo que es el Rap, máxima expresión de los poetas enajenados. 
 
1.Solo
2.Es lo que Necesito
3.Busca Tu Edén
4.Palabra (ft.Armes)
5.Pretendo
6.Libre
7.Místika
8.Frío en La ciudad
9.Poesía de My Rap
10.Paraje Osado
11.Una de Dos
12.Siempre con Lo Nuestro
13.Represento
14.Desquicio (ft.G-Rap)
15.No nos Enmudeceran
16.Jarope Mozallón (ft.Esae)
17.¿Qué nos Pasó?

NueveDoz - Parte por Uno (2011)





01. Índice (Prod. NueveDoz)
02. Qué decir (Prod. Macrodee)
03. Winner (Prod. RodBonzai)
04. DosMilDoce (con 4to. Elemento) (Prod. Macrodee)
05. Suelo de vidrio (Prod. Macrodee)
06. La noche menos pensada (con Mantoi) (Prod. NueveDoz)
07. Cuando menos están (Prod. Demek)
08. Piscis (Prod. RodBonzai)
09. Armas (con Jonas Sanche) (Prod. RodBonzai)
10. La noche menos pensada (con Mantoi) (NueveDoz Remix)

Frainstrumentos - Canajazz (2011)






Nuevo trabajo del conocido productor chileno Frainstrumentos son 15 tracks con esencia jazz y el sello que solo frais tiene al hacer un beat sin duda es una escucha por demas recomendada en este trabajo colabora gente de la talla de Cevlade, Gran Rah, Liricistas, Mantoi, etc pulsen el link de descarga no van a arrepentirse.

01.- Frainstrumentos - Que es el jazz?
02.- Terry - Sentimental mood
03.- Cevlade - Jardin del desden
04.- Gran Rah - Taxy
05.- Frainstrumentos - Dialogo 1
06.- Liricistas - Rememba
07.- Matiah & Pancho Pros - Piso 13
08.- Sello Personal - Reloj de arena
09.- El Oss - Un coñac para Dell Paxton
10.- Frainstrumentos - Dialogo 2
11.- TaloBeez & Mabrodah - America indomitia
12.- Chyste Mc - Hasta hoy
13.- Nosecuenta - Encontrar
14.- Illa J & Devi Nova - Sound like love (Remix)
15.- Frainstrumentos - Salida......

lunes, 26 de diciembre de 2011

Kase-O Jazz Magnetism (2011)





Kase-O Jazz Magnetism no es un proyecto de rap al uso. El zaragozano se ha aliado con la portentosa banda de jazz con la que lleva tiempo ofreciendo conciertos en distintos lugares de la geografía española para dar forma a un disco no apto para los más ortodoxos del universo hip hop. Como ya hicieran The Roots o el añorado Guru con sus sobresalientes recopilatorios Jazzmatazz, Ibarra aúna rap, jazz y funk en un álbum que incluye 15 cortes entre los que hay versiones de clásicos y colaboraciones de MCs amigos como R de Rumba, Kamikaze o Jonás Santana. 

01-libertad.mp3
02-como_el_sol_.mp3
03-trabajos_manuales_aka_geto_boys.mp3
04-a_solas_con_un_ritmo.mp3
05-suave_seda_aka_naci_muerto.mp3
06-quieres_(kami).mp3
07-que_no_hay_alcohol.mp3
08-domingos_de_cal_aka_blue_pepper.mp3
09-en_2_minutos.mp3
10-renacimiento.mp3
11-presente.mp3
12-boogaloo_aka_tarantula.mp3
13-tributo_a_mr._scarface.mp3
14-mc_escandoloso_exposito.mp3
15-javat_y_kamel.mp3

Biografía Aswad



Origen: Inglaterra (1975)

Discografía

(76) Aswad
(82) New Chapter Of Dub
(83) Live & Direct
(88) Distant Thunder
(89) Crucial Tracks-Best Of 
(95) Rise & Shine Again
(97) Big Up 
(97) Roots Rocking Island Anthology
(99) Roots Revival
(01) 25 Live 25th Anniversary. 

Integrantes

Angus (Drummie Zeb) Gaye (voz y batería) y Tony "Gad" Robinson (bajo). Invitados: Perry Melius (batería), Víctor Cross (teclados y coros), Pete Lee (guitarra y coros), Gregg Assing (teclados y coros), Soloman (raper, MC) 

Biografía 

Los orígenes de ASWAD (nombre que proviene de la palabra árabe "black") se remontan a 1974, en la zona de Ladbroke Grove, al oeste de Londres. El trío saltó a la palestra británica en 1976, cuando su álbum debut "Back To Africa", alcanzó el N 1 de las listas reggae de este país. "Love Fire", su famoso himno editado en 1981, logró convertirse en parte del patrimonio reggae e incluso en la actualidad son muchos los productores jamaicanos que hacen versiones del tema (todo un honor que no se ha concedido a ningún otro grupo británico). El disco de 1983 con Island, "Live And Direct", es considerado uno de los discos reggae en vivo por antonomasia.

A finales de la década, el grupo comenzó a sobresalir por sus atrevidas fusiones con distintos estilos musicales como el "dancehall", "funk", y "hip hop". Tras una serie de éxitos logró granjearse una gran acogida internacional con su versión reggae de "Dont Turn Around", un tema anteriormente versionado tanto por Luther Ingram como por Tina Turner. Editado en 1988, conquistó en Nº1 de las listas británicas y se convirtió en el tema con mayor difusión en las emisoras de radio francesas. A lo largo de los años, han colaborado un gran abanico de grandes artistas como Dennis Brown, Maxi Priest, Hugh Masakela, Steely & Cleevie, Shabba Ranks y Sly & Robbies Taxi Gang. La formación ha emprendido grandes giras, tocando con lleno total en lugares como el Royal Albert Hall y el Reggae Sunsplash de Montego Bay pasando por Africa Occidental, Israel y Japón. En 1994 logró atraer a nuevos fans con "Rise & Shine", grabación que le valió su primera candidatura a los Grammy como el "Mejor disco Reggae del año". Participaron como productores en la nueva grabación del clásico de Prince Buster "Whine & Grine", tema que aparece en un anuncio de televisión de Levis. "Roots Revival" supone el reencuento de Aswad con temas clásicos del cancionero reggae, 1999 fue un gran año para ASWAD quienes promocionaron su material con la gira "Roots Revival".



Descarga sus discos con la etiqueta ASWAD al final del POST

...del mento en adelante... El nacimiento del Sound System

Jamaica ha sido una gran heredera de culturas. Teniendo en cuenta la esclavitud como memoria y la colonización inglesa como contexto, el pueblo jamaicano debió sentirse realmente libre cuando en agosto de 1962 fue reconocida su independencia (y del resto de colonias inglesas en el Caribe). Y dado que no hay mejor manera de celebrarlo que con música... 
El nuevo optimismo y orgullo que asaltó a su gente se vieron claramente reflejados en discos conmemorativos como “Independent Jamaica” de Lord Creator, “Forward March” de Derrick Morgan o “Miss Jamaica” de Jimmy Cliff, pero un indicativo clave del nuevo sentimiento nacional serían los ritmos optimistas del, por aquel entonces emergente, sonido conocido como ska. Por ser el primer estilo de música asociado por el resto del mundo exclusivamente con Jamaica, el ska se convirtió en su particular declaración de independencia. Para muchos, este parecía salir de ninguna parte... pero en realidad el ska surge de un árbol musical repleto de las más diversas ramas, como el pastel que nace de una receta cuyos ingredientes son un poquito de música folk, otro poquito de música espiritual (Pocomania Church, Jamaican Voodoo in the World of the Spirits),algo de “Jonkanoo”, algo de influencia europea y mucho de las canciones tradicionales del campo, características del sistema de cultivo en plantaciones utilizado en la isla. 

Pero el mento fue sin duda la primera música allí grabada (y diferente del calypso aunque ambas se confundan comúnmente). Podemos definir en líneas generales lo que fue el mento: una música en directo que, aunque en contraste con la música popular jamaicana, aunaba tanto sus raíces folk como las de las bandas swing de los años 30 y 40. 

Tanta influencia como las músicas locales, ejercieron aquellas que venían de fuera... sobre todo las de origen afro-cubano, como la rumba, el bolero y el mambo, o de la América negra, como el swing o el rhythm & blues. Del mismo modo en que, tras la 2ª Guerra Mundial, el R&B se impuso sobre el swing, en Jamaica lo haría sobre el jazz, fuerte en la isla desde 1930. 

En 1940 los bailes de orquesta causaron furor hasta que en 1950 el fenómeno del sound system irrumpió en escena, reemplazando la música en directo en cualquiera de sus formatos. Estas eran esencialmente discotecas móviles constituidas por poco más que un pincha y un cantante... siendo el vendedor de licores de la tienda de turno el más beneficiado por las multitudes que atraía hasta sus puertas. Con el paso de los años se convertirían en grandes instalaciones capaces de producir hasta 30.000 vatios o más de sonido, y un voltaje similar para media y alta frecuencia. Los sound systems constituyeron de este modo el principal motor para el posterior desarrollo de toda la música popular jamaicana, incluyendo variantes como el “dub mixing” o el “toasting” (que aquí conocemos como Dj o pinchadiscos). 

Como durante esa década (la de los 50) se nutrieron principalmente del R&B, la llegada de este al público blanco adolescente en forma de rock & roll, planteó un problema para sus organizadores y propietarios (en la mayoría de los casos la misma persona), puesto que ya no podían garantizarse el suministro continuado de su música preferida. Decidieron pues grabarla ellos mismos. 
Durante los dos primeros años, siguieron básicamente el modelo estadounidense, pero entonces este comenzó a sonar más jamaicano... es decir, las guitarras rítmicas, rasgueadas a veces hasta la excentricidad, se hicieron más patentes imitando el ritmo típico del mento en el que el ritmo se toca con el banjo. También las percusiones cambiaron enfatizando el tercer golpe con el contrabajo. 

Probablemente Derrick Morgan tenía razón al afirmar que Prince Buster fue el primero en producir discos cuyo sonido hacía un énfasis decisivo en el contratiempo, desligándose del “offbeat” propio del boggie tradicional americano. Construyó en sus producciones el que sería el ritmo característico del ska de corte clásico. Otro veterano vocalista, estamos hablando de Alton Ellis, nos confirma la relevancia del contratiempo como el síncope esencial jamaicano: “I see the whole a dem as one sound, y´know- this is a lickle slower; this time the emphasis is on the drum , the nex´time the emphasis is on the bassline, but basically the nerve centre of Jamaican music is the afterbeat”. Todos estos elementos calaron en el R&B jamaicano que se transformó en ska, por 1961, anticipándose a la llegada de la independencia que se concretó el 5 de agosto del siguiente año. 

Antes del desarrollo de su industria musical, los cantantes callejeros componían letras que después vendían al módico precio de “one peny” la copia (situémonos en el Kingston de los años 1930 y destaquemos la figura de Slim & Sam“Ah suppose Slim an´Sam was the neares´thing to calypsonians we did have in amaica”, dice Charles Hyatt). Su papel sería reemplazado en la siguiente década por las bandas de mento que durante los años 50 solían tocar en los grandes hoteles para amenizar las veladas de los turistas. Resulta un dato curioso, dado que las letras de sus canciones, así como las de calipso, hablaban del día a día de los pobres, mayoría en la isla, haciendo referencias continuas al sexo explícito. De hecho, ya se percibía en ellas un cierto tono de disconformidad material como un aspecto inevitable de su existencia, a menudo desde un punto de vista irónico y humorístico. “Some of the rooms is so small / You can´t turn around un them at al / When you want to turn around / you´ve got to go outside / Then you turn your back and go back inside / When the rainy weather was raising Cain / The house began to leak / And the whole foundation started to squeak / Some of the rooms the landlord rent / They´re just like the scorpion tent” . Hubert Frier & George Moxey. 

Con sus raíces en la dura vida del campo de la mayoría de los jamaicanos durante el período inmediatamente posterior a la guerra, el mento inspiraba esperanzas de éxito comercial y reconocimiento para la música jamaicana. Stanley Motta es considerado el hombre clave en dicho desarrollo, propietario de una cadena de tiendas de electricidad en la isla y operador en uno de los primeros sound systems. Puesto que aún no había medios para ello en la isla, Motta consiquió sus discos manufacturados con la ayuda del cantante de jazz Bertie Kingque, hasta su regreso a Jamaica en 1951, había residido en Londres. A su regreso, grabaría un disco (Harold Robinson & The Tricklers) en el pequeño estudio de Motta en Hannover Street. 

Si la mención al mento y a la música popular jamaicana es tan extensa, es porque esta es esencialmente el fruto de una sociedad rural. Y si a la hora de hablar de las sound systems debemos hacer un repaso a todas estas músicas, no es sino porque constituyó hasta bastante tiempo más adelante su único medio de difusión. A través de ellos, la música llegaba al público, llegaba a los cantantes, llegaba a los productores... La gente que posteriormente emigró del campo a Kingston, capital jamaicana, tras la 2ª guerra Mundial, reclamaba una música más asertiva y que estuviese más en concordancia con sus nuevas vidas. Un poco como la necesidad de comprarse una camiseta roja después de haber estado mucho tiempo vistiendo de negro... asistimos al nacimiento propio del sound system. 

El primero en responder a esta actitud fue el R&B americano que llegaba a la isla por diferentes caminos de manos de los trabajadores que regresaban a su tierra o de los pescadores que la visitaban. Para la minoría que poseía un aparato de radio, era fácil encontrarlo en emisoras de radio del sur de USA: la WLAC en Nashville, WINZ en Miami; WNOE en Nueva Orleáns...y lo que es más importante, podía escucharse ya que sonaba en los sound systems que para finales de los 40 ya había empezado a desbancar a los tradicionales bailes de orquesta. 

Y no sólo por seleccionar los últimos y más calientes sonidos hizo furor el sound system, también por su carácter económico, es decir, de ahorro. El productor Bunny Lee nos lo cuenta: “ Y´see, after the orchetra play an hour, dem stop fi a break, an´dem eat off all the liquor. So the promoter never mek no profit - dem did prove too expensive fi the dance promoter. Dem alone eat a pot of goat! So when the sound come now, the sound no tek no break. When these few sound system come, it was something different…”. Los primeros fueron muy básicos. Comprendían una mesa de mezclas, un amplificador y los altavoces más grandes que pudieran encontrarse en el mercado. Pero según fueron avanzando los 50, se volvieron técnicamente más y más sofisticados, hasta el punto de que un tema que sonase en una sound, podía escucharse bastantes calles más lejos. 
Hacia mediados de los 50, la cabina del dj (“house of joy”) más o menos del tamaño de un armario, era el elemento común a todas ellas y eran fabricadas por especialistas como Headley Jones, que podía crear verdaderos templos del scratch a medida. La persona que pinchaba y presentaba las canciones representaba el papel crucial, el deejay, siempre acompañado por el selector. Count Machuki (retratado en la fotografía de la izquierda, Winston Cooper de nacimiento) es considerado por este motivo como el maestro de ceremonias en todos los sentidos, y es por todos recordado, pues fue el primero en hablar al micrófono sobre un disco... y por ser el precursor de la figura que hoy día asociamos al rapero (figura que a su vez lleva consigo toda una cultura y un modo de vida). Dice Count Machuki: “ Well, there was a dance at Easter, where we were supposed to be playing, and i said to Mr. Dodd:´Give me the microphone´. And he handed me the mike, I started dropping my wisecracks, and Mr.Dodd was all for it. And I started trying my phrases on Coxsone, and he gave meone or two wisecracks,too. I was repeating them all the night through that saturday at Jubilee Tile Gardens. Everybody fell for it. I got more liquor than I could drink that night”

Entonces y ahora, los grandes bailes reunían multitudes con la única intención de pasar un buen rato y, porqué no decirlo, aprovechar la oportunidad y vestirse “para matar”... de tal manera que el baile adquiere un matiz diferente: se puso de moda entre las mujeres lo que ellos conocían como “crinoline”... una especie de top o chaquetilla debajo del vestido que permitía el libre movimiento de las caderas y el culo. Entre los hombres, vestidos generalmente de manera más casual, no faltaban quienes se enfundaban en su mejor traje, tampoco faltaba la típica toalla de mano para limpiarse el sudor. 

Algunos de ellos fueron grandes bailarines que ejecutaban pasos complicados, como Pam Pam Gifford (que en 1992 bailó en el escenario con The Skatalites durante las celebraciones del 30 aniversario de la independencia), One-Eye BosticPershom the Cat and Bop (Mister Legs) y muchos otros. La acción se concretaba en la zona central de Kingston, conocida como “Beat Street” (Forrester´s Hall en North Street y Love Lane y Chocomo en Wellington street), pero hubo muchos otros dancehalls, también llamados "lawns", puesto que muchas veces eran simplemente espacios cercados. Todo comenzaba dentro del cerco, con la esperanza de poder atraer a los de fuera gracias tanto al sonido como a la comida y las bebidas que el promotor se encargaba de vender. Otros bailes tenían lugar en los clubs y en muchas localidades de las afueras. A veces incluso parecía que toda la isla estuviese bailando. 

Y llegamos a los nombres: el más pionero y conocido de los sound systems fue Tom The Great Sebastián, contando con Count Machuki como Mc (deejay) y Duke Vin como selector. Tom dirigió a sus anchas “Beat Street”, hasta la llegada a mediados de la década del “Big Three”: Clement Seymur -Coxsone- Dodd, cuyo sound system fue más conocido como Sir Coxsone´s Downbeat; Arthur -Duke- Reid y Vincent - King- Edwards, The Giant, quienes tomarían el relevo. 

Hay muchos otros nombres que merecen ser destacados: Junior Sebastian´s & Son´s JuniorJack Taylor, cuyo sonido podía escucharse siempre en una esquina de Orange Street; Roy White que, a menudo, mezclaba Blues y Jazz; V-Rocket, cuya especialidad eran las baladas “back-to-back", a partir de medianoche, Doc´s The Thunderstorm en Trench Town y Count Smith, The Blues Blaster, en Greenwich Town... La rivalidad entre los sounds era palpable y se asemeja en su pasión, lealtad y fanatismo a lo que acurre con los equipos de futbol, con la diferencia de que ser fan de dos sound systems no suponía una traición a un ideal ni nada semejante. 

Cuando Duke Reid y Coxsone Dodd irrumpieron en escena, Tom se trasladó desde los bajos de Kingston al Silver Slipper club en Crossroads. Duke era ahora el jefe, coronado “The King of Sounds and Blues” durante los años 1956-58. 
Nacido en 1915, Duke Reid fue un personaje carismático que, tras dejar el cuerpo de policía, nunca abandonó las armas como parte de su indumentaria. Regentaba una tienda de licores con su esposa, donde los cantantes acudían en busca de una oportunidad. Derrick Morgan fue uno de los muchos intimidados por sus armas en semejante situación. Derrick contaba acerca de su audición en 1959: “I go domw by Duke Reid, an ´when i go dow there i see this man in a him liquor store. I say: good mornin´mista Duke. Ím say: What can I do for you now? I think he áve two gun a him side, an´him finger full a ring. I say: I hear that you havin´audition suh, an´ I come fi sing too. Ím say: you can sing? I say: yes, so ´im say: sing- in front of all who buyin´…”. La mezcla entre la potencia de sus sounds y su agresividad personal atrajeron a los llamados “bad men” (Deeper Dan, Buggy & Horse,…). Actuaban como matones alrededor del baile, para imponer respeto, y ellos mismos u otros de sus colegas saboteaban al resto de la competencia, por ejemplo tirando piedras por encima de las vallas… Obviamente, a las piedras siguieron las armas, produciéndose más de un tiroteo. 

Su principal rival fue Coxsone, quizás más joven y menos flamante, pero no menos carismático. Era considerado más “cool, más “hippy” pero su personalidad era igual o más atractiva. Su estancia en Nueva York en 1954 le dio la oportunidad de visitar numerosas tiendas de discos, como “Rainbow Records” en Harlem, o algunas en Chicago y otros lugares. De nuevo Count Machuki“Duke Reid the Trojan had the sound of the day. He has the strength of money and equipment. But Coxsone had records and exclusive selecting”

Era de sobra conocido por su excelente gusto musical: fan de estrellas del jazz como Charlie Parker, Coleman Hawkins, Dizzy Gillespie... cualidad que permitía a sus selectors derrotar a sus rivales en las sounds. Pero como decía Lee Perry“ if you have the most bad boys you´re stronger”, y en eso Coxsone aún era un perro indefenso detrás del gran Duke. Lee Perry y Prince Buster fueron sólo dos de los primeros (y dos de las personalidades más creativas) en ser atraídos por su órbita. Según fue creciendo su éxito, atrajo consigo a muchas otras. De manos de su legendario Downbeat, Count Machuki comenzó a hacer sus introducciones vocales; fue también él quien introdujo los primeros “peps” (efectos de sonido resultado de chasquear los dientes cerca del micrófono). Hacia 1957, Coxsone dirigía tres sounds contando con tres figuras incomparables: Count Machuki, Red Hopeton y King Stitt (aka Winston Sparkes)... que, después de 40 años, aún continúa trabajando con Coxsone. 

Una vez Tom 'The Great Sebastian' estuvo fuera de la escena, el tercer mayor Sound fue “King Edwards The Giant”. Al igual que sus dos rivales, llegó a Kingston desde el campo y se hizo rápidamente con un nombre por su incomparable selección de melodías procedentes de Estados Unidos. Con Red Hopeton al micro, el sound alcanzó su punto más álgido a finales de los 50 y principios de los 60, continuando después Edwards con su labor de producción hasta 1964. 

Entró en el mundo de la política y fue nombrado miembro del parlamento por el PNP (People National Party), pero su tercer éxito profesional le llegó cuando se hizo corredor de apuestas (en carreras de caballos), gracias a su agudo ojo para los ganadores, al igual que lo fue su oído para los oscuros ritmos R&B de los 50. Al tocar esta fructífera década a su fin, la figura determinante para estos tres personajes fuePrince Buster (nacido en 1938), ex-boxeador, comenzó como fiel seguidor de Tom The Great desde finales de los 40 y encabezó una banda que operaba en el centro de Kingston. 

Cuando Coxsone comenzó su andadura, Buster y los suyos se aseguraron de que sus clientes realmente pagaran su entrada al baile. Es más, sus dotes de boxeador sirvieron para mantener a raya a los matones de las otras sounds y muy en particular, a los de Duke, de cuyos brazos tuvo una vez que rescatar a Mr. Perry. En 1959 se estableció por cuenta propia, con el sound The Voice of the People, con un sello y una tienda de discos en el 36 de Charles Street. 

The King, The Duke y The Sir emplearon mucho de su dinero en viajes a EEUU en busca de los discos del R&B que todavía debían empezar a oírse en la isla. Los estados del sur les proveían de discos que allí no habían pasado de ser éxitos locales. Los músicos y cantantes jamaicanos se vieron influenciados por estos ritmos de carácter regional, a través de los cuales los sabores jamaicanos viraron hacia un estilo más particular. Tras el éxito alcanzado en la isla por los Rockers (early rockers): Ruth Rown, Fast Domino, Little Richard,... el R&B que triunfaba era bastante diferente de aquel que lo había hecho entre los adolescentes americanos. 

Todos los sound systems necesitaban discos exclusivos (dubplates) para atraer a la mayor cantidad de seguidores con el fin de pulverizar a la competencia y este es el motivo por el que se desarrolló una fuerte demanda de las más oscuras grabaciones (a 78 rpm), rascando las etiquetas e, incluso, los números de serie del vinilo... hasta el punto de que muchas grabaciones no podían siquiera reconocerse o catalogarse (y por tanto tampoco plagiarse fácilmente). Un hit de un sound podía llamarse de distintas maneras sin tan siquiera variar su melodía. Típicas de la primera escena dancehall jamaicana fueron melodías como ”Blood Shot Eyes” de Wynonie “Mr.Blues” Harris grabada en 1951 en el sello Cincinnati´s King y que fue un enorme éxito, todo un hit, durante un extenso periodo. Todos ellos influirían posteriormente de manera decisiva en cantantes de la talla de Wilfred Jackie, John Holt o Gregory Isaacs. 

Nueva Orleans ejerció una gran influencia en la escena musical que hemos descrito. Esto se debe principalmente a su proximidad geográfica ya que la ciudad más grande del estado de Luisiana, estaba lo suficientemente cerca como para captar sus ondas de radio en forma de música (WNOE). Sin embargo, el carácter cosmopolita de esta ciudad, mezcla a su vez de distintas músicas tradicionales, permitió que estas se colaran e influyeran en el R&B y por tanto también en los músicos y en el pueblo jamaicano... una de cuyas preferencias ha sido siempre la mezcla y combinación de diferentes estilos, de manera armónica, tratando de emular incluso a artistas como Profesor Longhair... como lo haría por ejemplo Laurel Aitken en “Back to New Orleans” (Starline). 
Tan claro como que estas influencias aportarían su carácter único al R&B jamaicano, estilo al que más tarde seguirían el ska, el jazz jamaicano, el rocksteady, el early reggae, el roots reggae, el dub, el dancehall, el ragga,... muchos lo han considerado un pequeño o gran fracaso. Pero eso es como todo. Que viene a depender demasiado del juicio de cada uno. 

Lo que si es objetivamente cierto, es que la historia es larga y apasionante. Hemos revisado tan solo el comienzo de unas inquietudes y una manera de hacer las cosas que permitirían después el posterior desarrollo de toda una industria musical, de estilos más autóctonos, de figuras emblemáticas por su música, su carisma, su trayectoria o su mensaje... y que afortunadamente han llegado hasta nuestros días. En mi opinión, resulta relevante el papel de las sound systems en todo ese proceso... lo que hoy nos parece tan normal, como es ver coger a alguien un micro y ponerse a cantar, a rapear, a producir sonidos... o hacer un scratch... supuso todo un reto artístico y de talante siempre innovador, del que muchos hemos tenido conocimiento hace muy poco. Aquello que nació como una manera de hacer llegar el sonido al público, como un intento por juntar a un grupo más o menos numeroso de gente con un objetivo común, tan sencillo y tan importante como puede ser bailar... es hoy un fenómeno de masas. Es un placer incomparable descubrir pasito a pasito todo ello. Y una recompensa y un reconocimiento de sobra merecidos. 




Traducción: nnuska
Fuente: Barrow, S & Dalton, P. The Rough Guide to Reggae , Penguin Books, London, 2001.

Reggae Music Bands


If you are thinking of forming your own band, then you may want to search on the internet for companies who provide sheet music delivery to their customers. The web is a great source of information for all sorts of different music and musical talents, so whether you are into Reggae Music or Hip Hop you will find it available on the internet. Reggae music is musical genre which is a result of the evolution and development of several other musical genres and styles. Although it is strongly influenced by Afro-Caribbean music and American R&B, reggae music primarily originated from the progressive developments of rocksteady and ska back in the 1960s in Jamaica. Bob Marley, a popular reggae musician, said that the term reggae came from the Spanish term for “the king’s music”. Today, reggae music continues to be a significant influence on many other genres such as black music, soul music and chillout music.
Rastaman
The distinguishing characteristic of reggae music would be a heavy and back-beated rhythm. This means that the emphasis of the beat would be on the second and fourth beat in a 4/4 time. This backbeat is actually a general characteristic of most African-based musical compositions and cannot be found in traditional Asian or European music. Another characteristic of reggae music would be an emphasis on the third beat in 4/4 time done through a kick on the bass drum. As for its harmony, reggae music often has a simple one; sometimes an entire song would have just one or two chords. Because of the simple and repetitive chord structures of reggae music, it has been sometimes described to have a hypnotic effect to the listener.
The lyrics of reggae music could somewhat be difficult to understand, as they are typically English-based but have a distinct Jamaican dialect. The common themes of the song lyrics of reggae music are usually associated with various subjects including relationships, love, religion, peace, sexuality, injustice and poverty. There are also some reggae songs with lyrics that attempt to elevate the political awareness of the audience through criticizing materialism, or through informing listeners about controversial topics like Apartheid. Some common socio-political topics which are also used in reggae songs would be Black Nationalism, anti-colonialism, anti-racism and anti-capitalism. Most reggae lyrics also reflect the traditions and beliefs of Rastafarianism, which is a religion practiced by the most famous reggae musicians of the world.
Reggae music has several subgenres. Here are some of them.
1. Skinhead reggae
Skinhead reggae originated in the late 1960s, when several reggae artists started targeting their lyrics and music to skinheads. Its difference from rocksteady would be that it has a slightly faster beat which is done by the drummer making use of the hi-hat, lower mixing of the bass, heavy organ lines and the electronic double rhythm guitar stroke. Some skinhead reggae artists would include Toots & the Maytals, John Holt, and The Pioneers and Symarip.
2. Roots reggae
Roots reggae is a spiritual subgenre of reggae, with lyrics that are mainly about praising Jah or the God of Rastafarianism. Some of the other lyrical themes of roots reggae would include poverty as well as resistance to government oppression. Most of the songs of Bob Marley and Peter Tosh are under this subgenre.
3. Dub
This subgenre of reggae involves an extensive remixing of recorded material. It is also distinguished by the emphasis on the drum and the bass line. Two of the early proponents of dub music would be Mikey Dread and Augustus Pablo.
4. Lovers Rock
With lyrics that are often about love, lovers rock is a subgenre of reggae that originated back in the mid-1970s in South London. In many ways, it is similar to rhythm and blues.
5. Dancehall
This genre was developed back 1980 and has a style which is characterized by a DJ singing and rapping over raw and fast rhythms.
6. Reggaeton
Reggaeton is a combination of reggae and dancehall music, which gained popularity among young Latinos during the early 1990s.
Today, reggae music continues to be one of the more popular musical genres appreciated by a wide range of listeners throughout the world.

¿ Qué es un Riddim ?


Un ritmo, riddim en el vocabulario reggae, es un patrón de ritmo. Es básicamente una linea de bajo y habitualmente una linea de batería especial. Algunas veces una pequeña melodía acompaña al riddim, pero el ingrediente principal es la línea de bajo (en otros contextos musicales podría ser llamado 'groove'). 

La mayoría de los riddims se originaron a partir de un éxito, y normalmente el título del riddim lleva el nombre de la canción a partir del cual surgió. 

Los riddims más versionados tienen más de 20 años de antigüedad y en su mayoría fueron creados en el legendario Studio One de Coxone Dodds, Brentford Road, Kingston. Otros muchos productores han hecho más de un riddim clásico, pero nadie puede competir con la producción del Studio One a finales de los sesenta y principios de los setenta. Versiones de "Moving Away", "Pretty Looks", "Nanny Goat", "Drum Song", "Jah Shakey", "Full Up", "Real Rock", "Skylarking" y "Joe Frazier" son riddims que escucharás probablemente en cualquiera de las sesiones de tu sound system favorito. 

Existe un contínuo debate acerca del uso de esos viejos riddims. Los productores que más tiempo llevan en el negocio y los artistas critican el negocio musical actual por 'sobreexplotar' antiguos riddims y por perder la originalidad y creatividad 'verdadera'. Es fácil hacer una versión de "Real Rock" con los ordenadores y samplers actuales, lo difícil es crear algo nuevo. Los artistas actuales alegan que se trata de una herencia y tradición de la que se enorgullecen. Utilizar los riddims clásicos como inspiración es una forma de pagar tributo y rendir homenaje a todos aquellos que originaron esos riddims. Los creadores quizás prefiriesen ser pagados en efectivo, ya que la mayoría ni siquiera cobraron en el momento del lanzamiento del original.

Y es verdad que la mayoría de los productores jamaicanos confían excesivamente en las versiones. La industria musical jamaicana es, y siempre ha sido, un negocio con un montón de 'seguidores' y muy pocos 'líderes'. Aún así, la música jamaicana ha demostrado ser la más imaginativa del mundo. Estilos y modas son un gran negocio un mes y 'stock muerto' al siguiente. Con esta perspectiva, la originalidad se convierte en la clave del éxito. Como esto sugiere, hay un montón de nuevos riddims creados, que con frecuencia alcanzan el éxito. El rápido desarrollo del ragga en los últimos años ha expandido una serie de buenos riddims. Algunos de ellos serán olvidados, pero otros seguramente se convertirán en clásicos, y serán reciclados por la próxima generación de productores.

Los tiempos y las modas cambian, pero los antiguos riddims nunca mueren. Si esperas lo suficiente tus clásicos favoritos tarde o temprano volverán a ser lo más abrasador en la sala de baile. 



Más sobre riddims (en inglés) en:

www.jamrid.com
(en está pág. se encuentra el artículo del cual ha sido extraído este texto)

www.reggae-riddims.com 

Aston's fight for his rights

"Empecé a tocar el bajo en mi adolescencia en la parte este de Kingston, Jamaica, donde yo crecí. Unos pocos años después empecé a tocar en bandas con mi hermano Carlton, que era baterista. 

En 1969 logramos el reconocimiento internacional con la banda Hippy Boys y alcanzamos el Top 10 con dos canciones con The Upsetters. Nuestro ritmo en una de las canciones de los Upsetters, 'I’ll Take you There’ resurgió como la base de los Staples singers. 

Como eramos unos de los músicos de sesión más reclamados en Jamaica, el propio Bob Marley nos preguntó si queríamos empezar a tocar con él, algo que hicimos en 1968. Como ‘The Wailing Wailers’ continuamos creciendo y ayudamos a redefinir la música reggae, volviendo más lenta la cadencia. Más tarde, en 1971 the Wailers (es decir, Bob Marley, Peter Tosh y Bunny Livingstone) firmaron un contrato con Island Records. 

En 1973 Peter Tosh y Bunny Wailer dejaron la Banda, provocando que The Wailers se dispersasen. Con mi insistencia y la de Carly, convencimos a Bob para reformar la banda y la llamamos ‘Bob Marley and the Wailers’. Bob, mi hermano y yo éramos compañeros en esta aventura. 

Me convertí en el director musical de Bob Marley and the Wailers. Además de Carly tocando la batería y yo el bajo, también contribuí con el piano, el órgano y la guitarra en muchas de las canciones. Asimismo contraté a todos los miembros de la banda y asumí los roles de producción e ingeniería en todas las grabaciones de Bob Marley and the Wailers. 

Entonces, en 1974, Chris Blackwell y su sello Island Records, nos preguntaron a los tres (Bob, Carly y yo) por la posibilidad de firmar un contrato cuya consecuencia fue la grabación del disco ‘Natty Dread’. Este contrato sería el modelo para todos los álbumes que le seguirían. 

Yo estoy particularmente orgulloso del hecho de que la revista Time escogiera Exodus, un disco que yo produje y mezclé, como el álbum del siglo. Como Mauren Sheldon reflejó en su libro Soul Survivor, Bob le dijo a ella que ‘él podría haber sido un mejor guitarrista, pero que Familyman no le enseñó más acordes’. Bob y yo estábamos muy cercanos y éramos los mejores amigos. Yo estaba en su casa cuando fue herido por un disparo. 

El precio de la fama de Bob Marley y sus devastadores efectos me afectaron a causa de quienes éramos. Mi padre fue secuestrado en 1985 y mantenido cautivo a la espera de un rescate, Rita Marley rechazó ayudarme y como consecuencia mi padre fue asesinado, decapitado y desmembrado. 

En una entrevista con la revista The Beat, Bob me halagó diciendo que ‘Familyman es una autoridad del reggae’. Yo siempre he creído que la música que Bob y yo creamos, desde el ritmo hasta las letras más mordaces, ha cambiado el mundo y continúa marcando diferencias en la vida de la gente. 

Carly y yo escribimos muchas de las canciones puestas en escena por Bob, como por ejemplo "Who the Cap Fit", "War", "Rebel Music (Three O'clock Road Block)" y "Want More" solo por nombrar unas pocas. Yo también contribuí en muchas de las canciones de Bob y muchas otras fueron creadas en el estudio mientras grabábamos. 

Cuando Bob Marley estaba muriéndose, me llamó desde su cama del hospital en Bavaria y me pidió que mezclase la canción “I know”, el último single lanzado antes de su muerte. 

Como compañero de negocios de Bob, dividíamos las ganancias de ventas de discos, publicidad, conciertos y merchandise. Entonces yo entonces distribuía una parte del dinero con los otros miembros de la banda, dependiendo de quién estuviese en the Wailers en ese momento. 

Bob murió en 1981. 

Durante los años siguientes y sin explicación, los pagos de royalties que me correspondían como músico de estudio y escritor de canciones cesaron y yo, junto a otros miembros de The Wailers, tuvimos que ir a juicio en un intento de reclamar nuestra parte del negocio que ayudamos a crear. Durante esta época, en 1987, mi hermano Carlton fue asesinado por su esposa. 

En 1994, Chris Blackwell, Presidente de Island Records, me prometió que haría las cosas correctamente y nosotros retiramos nuestra reclamación por el dinero que se nos debía. Sin embargo ni las promesas ni los términos de ese acuerdo se cumplieron como habíamos acordado. En particular, los pagos por el trabajo de mi hermano y míos como artistas de estudio y escritores de canciones, fueron hechos a la Testamentería de Bob Marley y nunca encontraron el camino hasta nosotros. Pensando que Chris y Rita harían lo correcto, nosotros nos mantuvimos en activo girando con los Wailers. 

Desafortunadamente, ellos nunca hicieron lo correcto. Los pasados años, yo empecé a preguntar a la Testamentería de Bob Marley sobre los pagos que se nos adeudaban desde 1994. Alternativamente, yo hice la misma pregunta a Island Records. A pesar de nuestros ruegos, esas peticiones no fueron a ningún lado y no nos dejaron a mí y a los herederos de mi hermano otro recurso que ir otra vez a los tribunales. 

Y así es como estamos hoy día". 

Aston 'Familyman' Barret

Información detallada al respecto (en inglés) en: Aston's fight for his rights

Entrevista Gentleman Hip Hop Nation


Como si estuvierais en vuestra casa... Gentleman con el retraso de rigor pero con una simpatía ajena a los artistas que han llegado donde él esta, nos hace entrar en la habitación que durante unas horas será su casa en Barcelona. Es la tercera vez que visita España con sus tours. En las dos anteriores sus conciertos se convirtieron en auténticas batallas campales de energía, saltos, vibraciones, tarareos y éxito.
Acompañado siempre de la Far East Band (aunque no siempre con los mismos componentes), este artista alemán ha conseguido meterse a Jamaica y a los jamaicanos en el bolsillo y todo gracias a su música, a la de Gentleman que no es otra que la de los mismos Jamaicanos.
Descalzo, con la habitación patas arriba y con una gran sonrisa nos recibe, nosotros le apuntamos con nuestra grabadora. ¡MANOS ARRIBA! Deja el “spliff” en el cenicero y baja el volumen de su ordenador portatil (Sr.Robert Nesta Marley presente en el ambiente). Es el momento... ¡Apunten!, ¡Fireee!

Accede al grueso de la entrevista a Gentleman pulsando en Leer más...
PREGUNTA: Es la tercera vez que aterrizas en España, y siempre has tenido un éxito rotundo, colgando un “no hay entradas” por las salas en las que actúas. Eso, considerando que no hay distribución en España de tus discos es un gran logro, ¿a qué crees que se debe?
RESPUESTA: Es una bendición poder estar aquí otra vez. Ya tocamos el año pasado también en Barcelona en una sala mayor y este año no nos pusimos de acuerdo para hacerlo en una similar. Es una pena porque todavía recordamos la buena acogida que tenemos en España en general y en Barcelona en particular. Al no encontrar una sala de esas caracteristicas, pensamos que de todas formas merece la pena venir aunque sea para un público más modesto. Tengo buen recuerdo de Barcelona, yo solía venir con mi familia y me gusta. Siento mucho si hay gente que esta vez se ha quedado sin entrada pero que no se preocupen que volveremos otra vez.
P: ¿Porqué motivo y que supuso tu primer viaje a Jamaica?
R: Bueno yo hago música Reggae y esta es mi pasión y Jamaica es la madre de la música Reggae. Yo tenía curiosidad y ganas de saber de donde procede la música Reggae. Tenía una intensa atracción por Jamaica y tuve una muy buena experiencia allí la primera vez. Jamaica es un país, una isla muy pequeña pero hay tanta creatividad y tantos estímulos musicales y tantos estudios, tanta espiritualidad, pero al mismo tiempo tanta violencia, tanta locura, tanta diferencia, tantos problemas políticos... Jamaica es un país de contrastes y para mí que hago Reggae ir allí fue lo máximo, una experiencia única. Eso no quiere decir que tengas que ir a Jamaica para hacer Reggae, no, claro que no, eso depende de la música de cada uno pero en mi caso yo en Jamaica me sentí en mi casa, es mi casa. Además Alemania es muy fria y por eso me fuí.
P. ¿Que tiene Jamaica, que tiene la gente, que hacen para conseguir ese ritmo de música tan genuino?
R. Creo que en todo Jamaica se debe a su experiencia como país y como comunidad. Es donde la música Reggae nació, es un lugar muy especial. Cuando llegas a Kingston notas la música, la sientes, se respira, está en todos los lados, en el aire. No he estado nunca en ningún lugar donde la música se sienta tan fuerte. Cuando vas allí a los estudios y ves a los ingenieros en las tablas de mezclas y puedes sentir la experiencia acumulada, eso es lo que la hace tan especial.
P. ¿Es muy diferente la música Reggae que se hace en Europa de la que se hace en Jamaica? O van de la mano...
R. Para mí la música Reggae es internacional, es un lenguaje que la mayoría de la gente entiende. Bob Marley afortunadamente consiguió extenderla y todos conocemos a Bob Marley. Cada país es diferente, cada país tiene sus propias características, su propio contexto, su propia historia y por tanto se tratan temas diferentes pero en la música todos tenemos los mismos sentimientos, la misma alegría y esa es la misma en Alemania o en Jamaica, por lo que hay diferencias pero no son diferentes.
P. Llevamos varios años siguiéndote y coleccionando tus discos. Una joya en mi estantería es tu primer largo “Trodin On”, el cual te lanzó a la fama. Pero por otra parte nunca te hemos visto interpretar ningún tema de ese trabajo en directo...
Se ríe... y bromeando añade:
R. Bueno.... voy a hacerlo esta noche... Lo que pasa es por que ahora hago nuevas canciones, estoy creciendo, evolucionando y es difícil. Ahora tengo nuevo material. Muchas canciones, compongo desde que tengo casi 15 años y es muy difícil, a veces duro, sobre todo en los festivales y si tengo que hacer un concierto de dos horas, es imposible... pero bueno esta noche cantaré “Jah Jah never fail” del primer álbum. Para mi el primer album es muy antiguo, es el pasado, eso ya se ha ido y no lamento nada, hay gente que lamenta su pasado, yo no, pero tengo que evolucionar, evoluciono y disfruto con mi evolución.
P. La siguiente pregunta es sobre la responsabilidad de los artistas. ¿Tu personalmente piensas que los artistas tenéis alguna responsabilidad en vuestra forma de pensar y la relación en los acontecimientos que pasan en el mundo o crees que es irrelevante?
R. No, no por supuesto que no es irrelevante. Es un tema que me concierne bastante, es mi responsabilidad hasta el punto de llegar a hacer buenas canciones de protesta contra lo que considero injusto. Siento una fuerte responsabilidad con mis letras, sobre todo con la gente joven y adolescentes que escuchan mis discos. Por eso no podemos infravalorar el poder que en este sentido tenemos y tiene la música. A veces hago canciones que me duelen, que cuentan cosas que me llegan al alma e intento expresar esa negatividad para contrarrestarla a través de la música. Yo intento siempre buscar en este sentido y siempre busco un mensaje que nos mantenga vivos, que sea con amor, puro, limpio que aporte ganas para seguir combatiendo, que nos contagie energía para actuar. Ha sido muy buena pregunta...
P. Cómo conseguiste la ayuda de los artistas Jardish como Bounty Killa, Luciano Mickey General? Cómo surgen las colaboraciones de grandes artistas en la escena como Bounty Killa, Luciano, Capleton o Mikey General?
R. Bueno yo no fui a Jamaica y me presenté diciendo; “hey tio mi nombre es Gentleman, vamos a hacer una canción juntos”, no. Es un proceso que se va creando a lo largo de los años. Conocía a por ejemplo a Barrington Levy y coincidimos muchas veces, después de varios encuentros y conocer los diferentes trabajos por ambas partes, se llega a un acuerdo para hacer una canción juntos. Las colaboraciones se fraguan después de una amistad, después de que ya hay una buena vibración.
P. Tu evolución a sido muy clara, comenzaste colaborando con toda la escena Hip Hop y R&B alemana, pasaste por el Reggae mas digital y de baile, y ahora cada vez nos llevas a un sonido mas concienciado y suave. Vemos mas claro al verdadero Gentleman, ¿a donde nos vas a llevar?, es esto lo que siempre quisiste hacer?
R. Los artistas de Hip Hop con los que he trabajado ya eran muy coincienciados, era una parte del Hip Hop bastante educativa y yo siempre dí esa porción de conciencia. Yo empecé escuchando Dennis Brown, Jacob Miller, Bob Marley cuando tenia 10 u 11 años. Tenía los discos de mi hermano y realmente me apasionaban así que al principio lo que me gustaba era el Roots Reggae antes que el Hip Hop. La música Dancehall vino despues, fue mi primer amor y por eso está en mis inicios, transmite mucha energía y por eso le gusta tanto a la gente. Cuando te planteas hacer un LP, un album completo recurres a esta música más concienciada, más suave y es una explicación de mi evolución.
P. ¿Que sientes en países como España en los que el inglés no está muy extendido y el público posiblemente no termina de comprender perfectamente las letras de tus canciones?
R. Es un asunto curioso, por eso deberíais enseñarme un poquito de español (Bromea: porque incluso cuando voy a un restaurante y pido un bistec “well done” y me preguntan que quiere decir “well done”). Es verdad que el lenguaje varía pero si evitamos el lenguaje también podemos comunicarnos. Sin tener el mismo idioma la gente entiende la música, se aprecia el sonido aunque algunas veces no se consiga transmitir el mensaje que queremos comunicar. Hay seguidores que me preguntan ¿y esta nueva canción trata sobre la responsabilidad?, aunque dudan del mensaje, y no lo entienden perfectamente, sí lo sienten.
P. ¿Qué piensas del Reggae en Europa?
R. Creo que esta sano, que está bien. Aunque todavía se encuentra un poco marginado. ¡Ojalá ocupará un mejor espacio!. Aunque al mismo tiempo se nota un desarrollo. Está creciendo muy lentamente pero seguro y ese crecimiento es casi más estable. En eso estamos, yo creo que con mi música hago que se extienda, incluso los medios de comunicación, por ejemplo con esta entrevista también ayudan a que se expanda, por eso creo que esta creciendo de una manera muy sana.
P. Has oído algo de Reggae español?
R. Si, si que he escuchado a varios cantantes pero no recuerdo los nombres. Tengo algunos cd’s y creo que son bastante potentes pero he olvidado sus nombres. Sé que hay una muy buena escena que está creciendo ahora mismo y eso es bastante positivo...
P. ¿Crees que tu música ha influido de alguna manera en la música Reggae alemana o internacional?
R. Bueno yo no inventé la música y creo que todos nos influenciamos unos a otros de alguna manera, todos estamos conectados. Hay diferentes artistas en Alemania y todos nos ayudamos, incluso nos potenciamos unos a otros con lo que cada uno hacemos. Eso también sucede en el panorama internacional. Es muy importante que haya mucha gente y que hagamos diferentes estilos incluso dentro del mismo tipo de música. La música es un lugar perfecto para manifestar estas diferencias y al mismo tiempo inspirarnos de ellas también.
P. ¿Donde crees que tienes tu mayor éxito?
R. Efectivamente en Alemania, soy alemán, vivo en Alemania y hago la mayoría de la promoción allí (desde hace ya 15 años). La mayoría de conciertos son en Alemania así que sin duda creo que es ahí donde mi música es más conocida.
P. “The Far East Band” siempre te acompaña en tus giras, y hemos visto que algunos de sus componentes van sacando trabajos independientemente de su aportación a la banda como “Backing”. ¿Qué te parecen sus iniciativas?
R. Me parece fantástico porque todos nos movemos en direcciones diferentes pero al mismo tiempo nos estamos moviendo en una misma dirección. Yo también trabajo con otros músicos diferentes. The Far East Band es la banda con la que trabajo, es mi familia, somos una familia con una fuerte conexión y llevamos mucho tiempo. Hoy en día es muy difícil conseguir una banda con esta conexión y este sonido, por no hablar de la buena quimica que hay entre nosotros. Por eso aprecio su trabajo, tienen un amor tan especial por la música que me parece perfecto que también lo manifiesten independientemente, como yo lo hago llegado el caso. Por eso si hacen un trabajo independiente, yo les animo y les deseo lo mejor, nosotros somos una familia, no estamos casados, no hay un contrato de exclusividad. Todos somos libres, cada uno es libre.
P. ¿Que opinas de la violencia?
R. Violencia? Oh me encanta... (risas) Bueno claro que la violencia es algo que no te puede satisfacer. Che Guevara decía que era feliz pero no estaba satisfecho hasta que desapareciesen los ignorantes y la violencia. Por supuesto que la violencia es horrible sobre todo cuando alcanza la música, esto me hace llorar.
P. Hay quien dice que la fe rasta es cosa de la raza africana, tu eres una persona creyente y que ha convivido mucho con seguidores de esta cultura. ¿Te consideras Rasta?
R. Si Rasta significa buscar la verdad, buscar a Dios sin religión, no comer carne y dejar vivir libremente a los animales... entonces si me considero Rasta. Si Rasta significa violencia, lucha abanderada por el Todopoderoso, rasta como raza elegida y cosas así... entonces no soy Rasta. Si estoy de acuerdo con que la gente encuentre una fuente espiritual para desarrollarse, abrir su mente y aprender a ser amados, incluso si no es políticamente correcto y por eso la religión Rastafari ha hecho cosas muy positivas por la comunidad en Jamaica y en Africa y por eso estoy de acuerdo con algunos aspectos de su religión, aunque todavía estoy buscando. Me gusta la idea de una búsqueda sin luchas, sin guerra.
P. Y ya por último.. los Jamaicanos suelen expresar su homofobia tanto en sus letras como en sus declaraciones a la prensa. Eso conlleva muchos problemas a la hora de actuar en Europa, obligandoles a redimirse o a auto censurarse para poder realizar giras. Tu siempre te has mantenido al margen, pero ¿qué opinas en cuanto al tema de los “Battys” (homosexuales) y de la censura?
R. Para mí es muy simple... es un tema que se ha tratado mucho y no tiene fin. No tengo nada en contra de nadie que no me haya hecho nada. Para mi cualquier escrúpulo contra cualquier minoría es estúpido. Cada uno debe vivir su vida mientras no atente o afecte a la de los demás. Pero por otro lado tampoco hay razón para censurar las opiniones o conciertos de algunos artistas que no están de acuerdo con ciertas tendencias sexuales.
Se acerca ya el momento de que por tercera vez Gentleman suba a un escenario en Barcelona, así que bajen sus grabadoras. Gentleman se relaja aunque en ningún momento de la entrevista se le vio alterado, suponemos que se guarda la energía para derrocharla en el escenario, algo que pudimos comprobar después. Con un abrazo nos despide esperando deleitarnos con una buena sesión del mejor Reggae en vivo.
Daddy Maza (Traducción: Dani Fog)
Originalmente aparecida en Hip Hop Nation en su versión reducida